Hírek

Ókori görög zene

Ókori görög zene

Zene (vagy egér) az ókori görög világ életének szerves része volt, és ez a kifejezés nemcsak a zenére, hanem a táncra, a szövegekre és a költészet előadására is kiterjedt. A hangszerek széles skáláját használták olyan zenék előadásához, amelyeket mindenféle alkalomkor, például vallási szertartásokon, fesztiválokon, privát ivópartikban játszottak (szimpóziumok), esküvők, temetések, valamint atlétikai és katonai tevékenységek során. A zene fontos eleme volt az oktatásnak és a színházakban tartott görög drámaelőadásoknak is, mint például színdarabok, előadások és versenyek.

Musical Origins

Az ókori görögök számára a zenét szó szerint az istenek ajándékának tekintették. A különleges hangszerek feltalálását bizonyos istenségeknek tulajdonítják: Hermész, a líra, Pán a szinx (panpipes) és Athéné. aulos (fuvola). A görög mitológiában a múzsák megszemélyesítették a zene különböző elemeit (a szó széles görög értelmében), és azt mondták, hogy isteni zenéjükkel, táncukkal és énekükkel szórakoztatják az isteneket az Olimposzon. Más, a zenéhez erősen kötődő mitikus alakok a bor istene, Dionüszosz és követői, a Szatírok és a Maenádok. Amphion és Thamyres egyaránt híresek voltak arról, hogy játszani tudnak kithara (gitár), míg Orpheust csodálatos énekesként és lírajátékosként ünnepelték.

A görögök úgy gondolták, hogy a zene jótékony hatással lehet a hallgató szellemére és testére.

A legrégebbi fennmaradt görög hangszerek csontok auloi amelyek az újkőkorból (i. e. 7.-4. évezred) származnak, és Macedónia nyugati részén, Thesszáliában és Mykonosban találhatók. A bronzkor három nagy civilizációja az Égei -tengeren (i. E. 3000–1000), a kükladikus, a minószi és a mükénéi civilizáció mind fizikai bizonyítékot szolgáltat a zene fontosságáról saját kultúrájukban. A Kikládok márványfigurái mindkettő játékosát képviselik aulos és a hárfa. A krétai hieroglifának három szimbóluma van, amelyek hangszerek - kétféle hárfa és egy sistrum (vagy csörgő, eredetileg Egyiptomból). A hattyúfejekkel díszített alabástrom -líra Knosszoszból maradt fenn, a Thera -i Akrotiri freskója pedig egy kék majmot ábrázol, aki egy kis háromszög lírát játszik. A minói „Harvester Vase” (i. E. 1500–1450) a krétai Hagia Triada-tól egy sistrum a hangszer játékos és agyagos változatait találták Kréta -szerte. Bizonyítékok vannak arra is, hogy a zenét már a bronzkorban is leírták, ha a Hagia Triada falán lévő minószi lineáris A szöveget úgy értelmezik.

A szavak és a zene, a dallam- és skaláris rendszerek, valamint számos legnépszerűbb hangszer, például az aulos és a líra ötvözése valószínűleg a Közel -Keletről származik. A görögök azonban különösen a lírát tartották „görög” hangszernek, míg a aulos a mitológiában sokszor keleti eredetű alsóbbrendű külföldi versenytársként képviseli. Ezért a nagy görög Apollón isten, akiről azt hitték, hogy ő a líra mestere, legyőzte Marsyas frír szatírt és aulos zenei versenyen, amelyet a múzsák bírálnak. A líra volt a hangszer is, mindenek felett, amit a fiatal görögöknek meg kellett tanulniuk iskoláikban, és Platón ezt ajánlotta Köztársaság.

Hangszerek

A görög hangszerek közé tartozott a vonós, a fúvós és az ütőhangszerek. Messze a legnépszerűbb a líra volt, aulos (általában dupla), és pánsíp. Egyéb eszközök közé tartozott a csörgő (sistrum és seistron), cintányérok (kymbala), gitár (kithara), duda (askaulos), kagyló és triton héj (kochlos), trombita (salpinx), kürt (keras), tamburin (rhoptron), sekély dob (timpanon), tapsoló (krotala), maracas (phormiskoi), xilofon (psithyra), a líra különböző változatai, például a négy húros líra (phorminx) és a többhúros és hosszúkás barbitonés különféle típusú hárfák, általában háromszög alakúak (pl zsoltár). Két szokatlan hangszer volt rombuszok (fúvós hangszer), amely lapos rombusz volt, lyukakkal átszúrt, zsinórra fűzve, és a zsinór fonásával játszott. A második az volt hidraulis, egy kifinomult hellenisztikus orgona, amely két pedállal fenntartott sűrített levegőt és víznyomást használt. Egyébként a vonós hangszereket mindig ujjakkal vagy plektrummal játszották, nem pedig íjjal, és a klasszikus időszakban a húros hangszereket a szélnek kedvelték, mivel lehetővé tették a játékos számára, hogy énekeljen, és a görögök számára a szavakat fontosabbnak tartották, mint zenei hangok.

Zeneelmélet

Bizonyíték van arra, hogy a görögök már a 6. században elkezdték a zeneelmélet tanulmányozását. Ez harmonikus, akusztikus, skaláris és dallamvizsgálatokból állt. A témában legkorábban fennmaradt (de töredékes) szöveg a Harmonikus elemek írta Aristoxenos, i. e. A zene a filozófiai tanulmányok elemévé is vált, nevezetesen Pythagoras követői által, akik úgy vélték, hogy a zene a kozmikus rend matematikai kifejeződése. A zenének bizonyos terápiás előnyei is voltak, sőt gyógyító ereje volt a testi és lelki betegségek felett.

Szerelemtörténet?

Iratkozzon fel heti ingyenes e -mail hírlevelünkre!

Ezenkívül a görögök a zene történetéhez és fejlődéséhez nyújtott egyedi hozzájárulások egyike, hogy erkölcsi és érzelmi hatással lehetnek a hallgatóra és lelkére; röviden: a zenének etikai szerepe van a társadalomban. Emiatt Platón meglehetősen dekadensnek tekintve betiltotta az összes mérleg előállítására alkalmas műszereket. Hasonlóképpen, a túl bonyolult ritmusokat és a túl gyors tempójú zenét erkölcsileg veszélyesnek tartották a nagy filozófus ideális köztársaságában.

Ami az írott zenét illeti, 52 darab görög zene marad fenn, bár töredékes formában. Például egy zenei részlet Euripedes játékából Oresztész fennmarad, akárcsak a delphi athéni kincstárból származó zene felirata. A görög zene legteljesebb fennmaradt darabja Seikilos dala az i. E. 2. századi sírkőből, amelyet az Epheszosz melletti Tralleisben találtak.

Zenészek

A görög zenészek nagyon gyakran voltak az általuk előadott zene zeneszerzői és szövegírói. Az úgynevezett „dalok készítői” vagy melopoioi, ők létrehozták melók: szavak, dallam és ritmus összetétele. Bizonyítékok vannak arra, hogy a zenészek magasabb társadalmi státuszban részesültek, amint azt jelzik sajátos köntösük és a királyi háztartási személyzet listáján. A krétai hieroglifában és a későbbi Linear B -ben még egy különleges szimbólum is szerepelt a zenészek számára. A hivatásos zenészek férfiak voltak, bár ez alól kivételt képeztek az udvarnokok hetairai aki fellépett a szimpóziumok. Vannak azonban művészi ábrázolások női zenészekről, nevezetesen a Palaikastro agyagtáncoló lírajátékosairól. Más hivatásos zenészek közé tartozott a trieraules akik az ütemeket állították be az evezősöknek trímesekben és trombitásoknak és kórusénekeseknek, akik menetelő katonákat kísértek.

Zene és vallás

Zene és tánc kísérte a felvonulásokat különleges vallási alkalmakkor különböző görög városokban, és a görög világ leghíresebbjei között volt Athén Panathenaia és Great Dionysia fesztiválja. Bizonyos vallási gyakorlatokat általában zenére hajtottak végre, például áldozatokat és szabadságok öntését. Himnuszok (parabomia) és imákat (kateuches) énekeltek a felvonulások során és maga az oltárnál is. Ezeket hivatásos zenészek kóruscsoportjai biztosították, nevezetesen aulos játékosok, gyakran kötődnek bizonyos szentélyekhez, például a paeanisták Athénban és a aoidoi és epizpondorchestai Aszklépiosz epidaurusi szentélyében.

A zene, a tánc, a költészet és a dráma előadás is versenyképes tevékenység volt az olyan eseményeken, mint például az Isthmia, Delphi és Nemea fesztiválok. Azonban, akárcsak az atlétikai versenyeken, a zenei versenyek is vallásos jellegűek voltak, mivel kiválóságot kínáltak az istenek tiszteletére. Az ilyen zenei versenyeknek két típusa volt: sztefániták (szent szimbolikus koszorúval a díjként) és krématitok vagy tematikoi (kézzelfoghatóbb nyereményekkel, például pénzzel vagy értékes javakkal). Sparta, Argos és Paros tartották a legkorábbi ilyen versenyeket az i. E. A hellenisztikus időkben a zenei fesztiválok és versenyek annyira általánossá váltak, hogy a zenészek és előadóművészek céhekké, ill. Koina.

Zene és oktatás

Platón tudatja velünk, hogy az első iskolákat, amelyeket a zenei nevelésnek szenteltek, a krétaiak hozták létre. A zene virágzásának időszaka azonban az i. Sz. 6. és 5. században volt, amikor Athénban zeneiskolákat alapítottak, ahol a 13 és 16 év közötti diákokat lírajátékra tanították. kithara és énekelni, tanáruk kíséretében a aulos. A zene fegyelmet és rendet tanított, és lehetővé tette a műveltek számára, hogy jobban értékeljék a zenei teljesítményt. Atlétika és egyéb sporttevékenységek, a görög oktatás másik fontos eleme, szintén zenével kísértek, különösen a szinkronizálás fokozása érdekében.

Zene örömre

A zene alapvető eleme volt a szimpózium vagy egész férfi ivóparti. Evés után a férfiak mindegyike énekelt egy dalt (skolia) egy valamivel aulos, líra, vagy barbiton háttérzene biztosítása. Gyakran szórakoztató szatirikus dalokat énekeltek (silloi). Végül az este végén gyakori volt, hogy a csoport az utcára vonult a komos (mulatozó zenekar), és énekelnek és táncolnak a városban.

A nők is otthonukban élvezhették a zenét. Általában a nők húros hangszereken játszottak és verseket mondtak zenére. Ezenkívül olyan házimunkát végeztek, mint a szövés és a sütés zenére. A gyerekek is énekeltek dalokat (agermos) az emberek ajtajában, hogy apró apróságokat és édességeket kapjanak, mint a dallamosok ma.

A színházban a görög tragédia, a vígjáték és a dráma előadásait zene kísérte, az éneklésről pedig egy kijelölt kórus gondoskodott, amely az i. E. 5. századi görög színházi előadásokban akár 24 énekesből állt.

Zene a művészetben

A zenészek és a hangszerek népszerű témák voltak a freskókon, a szobrászaton és a görög kerámián, különösen a geometriai, fekete alakú és vörös alakú stílusban. A görög mitológia korábban említett összes fő alakjától eltekintve, a görög kerámiával kapcsolatos zene témakörének figyelemre méltó kiegészítése Herkules legnagyobb hőse. A késői archaikus és a korai padláskerámia gyakran ábrázolja a hőst a kitharaés talán ez szimbolizálja a fizikai és zenei gyakorlatok közötti összefüggést, amely szükséges a megfelelően kiegyensúlyozott oktatáshoz. Más nagy hősöket, például Achilleust, Thészeuszt és Párizst is néha hangszeren (általában líra) játszva ábrázolják, ismét megerősítve az arisztokrata oktatás kettős céljait és a zene erényét. Ezenkívül sok iskolai jelenet az i. Sz. Kerámia kerámiáján lírával és könyvtekerccsel ábrázolja a diákokat, ismételten illusztrálva a zene fontosságát az oktatásban. Végül, Lekythoi, parfümök tárolására szolgáló vékony üvegek, amelyek gyakran megtalálhatók a súlyos környezetben, és gyakran a zene a díszítésük tárgya, talán annak biztosítása érdekében, hogy az elhunytat zene kíséretében kísérjék el a következő életbe.


Az ókori Görögországtól Glastonburyig: A zenei fesztiválok rövid története

Miközben britek milliói festik arcukat, és nem veszik fel Wellingtonjukat a Glastonbury 2019 -re, Julian Humphrys a zenei fesztiválok múltját és jelenét vizsgálja.

Ez a verseny most lezárult

Megjelent: 2019. június 24 -én, 13:00 órakor

Mikor rendezték először a zenei fesztiválokat?

Jóval az elektromos gitár feltalálása előtt! Az első ismert zenei fesztivál a Pythian Games volt, az olimpia előfutára, amelyet a Kr.e. 6. század végétől rendeztek meg Apolló delfi szentélyében. A szép dolgok általános ünneplése, egy zenei versenynapot tartalmazott.

Hosszú története van a walesi Eisteddfodau -nak?

A walesi költészet, zene és előadás évente megrendezett ünnepségeinek története a Lord Rhys által a kardigán kastélyban 1176 -ban megrendezett bárdversenyre vezethető vissza. Két évszázados szünet után a 18. század végén újjáélesztették őket, különösen a Gwyneddigion, walesi száműzöttek társadalma Londonban. A 19. század közepén további lendületet kaptak a „kék könyvek” válaszaként-ellentmondásos kormányzati jelentések, amelyek bírálják a walesi oktatás és kultúra állapotát.

Hány éves a Három Énekkar Fesztiválja?

A Hereford, a Gloucester és a Worcester székesegyház kórusai köré épülő fesztivál, amely szorosan kapcsolódik olyan zeneszerzők karrierjéhez, mint Elgar és Vaughan-Williams, azt állítja, hogy a világ legrégebbi, versenyképes klasszikus zenei fesztiválja, és ünnepli 300. születésnapját. év.

Hol volt az első nagy modern rockfesztivál?

A kaliforniai Monterey Pop Fesztivál 1967 júniusában gyakran megkapja ezt a megkülönböztetést, de valójában egy héttel azelőtt, hogy Jimi Hendrix gitárégetését Montereyben kihasználja, hasonló, ha kisebb rendezvényt, a pompás nevű Fantasy Fair és Magic Mountain Music Festival-ot a Tamalpais-hegyen is megtartották. Kaliforniában.

A legendás Woodstocki Zenei és Művészeti Vásárt két évvel később, 1969 augusztusában rendezték meg. Valójában nem a Woodstockban tartották. A megfelelő hely megtalálásával kapcsolatos problémák arra kényszerítették a szervezőket, hogy több mint 40 mérföldnyire, Bétel város közelében helyezzék el.

Mikor tartották először a Glastonbury Fesztivált?

1970. szeptember 19 -én, Jimi Hendrix halála utáni napon. A színészek között volt Marc Bolan, Stackridge és Al Stewart. Játszottak a mintegy 1500 fős tömeg előtt, és a belépődíj tartalmazza a szervező gazdaságából származó ingyenes tejet.

Ez a cikk először a BBC History Magazine 2015. augusztusi számában jelent meg


Görög zene

Az ókori Görögország zenéje elválaszthatatlan volt a költészettől és a tánctól. Teljesen monodikus volt, nincs harmónia, ahogy ezt a kifejezést általánosan értik. A legkorábbi zene gyakorlatilag ismeretlen, de a homéroszi korszakban létezett egy nemzeti zenei kultúra, amelyet a későbbi generációk "aranykornak" tekintenek. A fő hangszer a phorminx, -tól dallamokat komponáló költő-énekesek kísérésére használt líra nomoi, rövid hagyományos mondatok, amelyeket megismételtek. A legkorábbi ismert zenész Terpander volt Terpander
, fl. i. e. 675 körül, Lesbos zenésze, a görög klasszikus zene egyik legkorábbi alapítója. Kicsit kétes bizonyítékok alapján Terpander nevéhez fűződik az oktáv befejezése és a hatodik és hetedik karakterlánc hozzáadása a kithara -hoz.
. További információért kattintson a linkre. Leszboszról (i. sz. 7. század). Archilochus lírája Archilochus
, fl. 700 körül vagy i. e. 650 körül, görög költő, szül. Paros. A személyes líra használatának és felépítésének újítójaként nyelve intenzív és gyakran erőszakos volt. Versének sok töredéke fennmarad. Bibliográfia

Lásd H. D. Rankin, Paroszi Archilochus (1978).
. További információért kattintson a linkre. , Sappho Sappho
, fl. 6. század eleje. I. E., A korai görög líra költői közül a legnagyobb (Platón "tizedik múzsának" nevezi), szül. Mytilene on Lesbos. Tények az életéről kevés. Arisztokrata volt, aki verseket írt baráti körének, többnyire, de nem kizárólagosan nőknek, és hasonlók
. További információért kattintson a linkre. és Anacreon Anacreon
, c.570 –c.485 B.C., görög lírai költő, szül. Teos Ióniában. Sámoson és Athénban élt, ahol védnöke Hipparkhosz volt. Kecses és elegáns költészete a bor és a szeretet örömeit ünnepli. Kevés verse maradt fenn.
. További információért kattintson a linkre. zenei jellegű is volt.

A 6. században. B.C., kóruszenét használtak a drámában, ehhez Pindar Pindar
, 518? –c.438, görög költő, általában a legnagyobb görög lírai költő. Nemesi születésű bojot, elsősorban Thébában élt. Sokat utazott, egy ideig Athénban és Szicíliában tartózkodott I. Hiero udvarában Syracuse -ban és Acragasban
. További információért kattintson a linkre. kifejlesztette a klasszikus ódát óda,
kidolgozott és méltóságteljes, bizonyos hosszúságú lírai vers. Az óda a görög kórusdalokból származik, amelyeket nyilvános rendezvényeken és ünnepségeken énekeltek és táncoltak. A Pindar görög ódái, amelyeket a görög dráma kórusos ódáira mintáztak, dicsérő vagy dicsőítő versek voltak.
. További információért kattintson a linkre. . A fő eszközök ebben az időben a aulos, a Dionüszosz kultuszához és a kitharához kapcsolódó oboatípus kithara
vagy cithara
, az ókori görögök hangszere. Ez egy kitépett hangszer volt, a líra nagyobb és erősebb formája, amelyet hivatásos zenészek használtak mind szólójátékra, mind költészet és dal kíséretére.
. További információért kattintson a linkre. , egyfajta líra, amely Apollónhoz kapcsolódik, és vallásos és himnuszos használatra korlátozódik. Ez a klasszikus kompozícióstílus az 5. század utolsó negyedében bomlott le. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT.

Athén bukása után i. E. 404-ben szellemi ellenes reakció lépett fel a klasszikus művészet ellen, és i. E. majdnem elfelejtették. Az új stílust, amely professzionális zenészek felemelkedését eredményezte, a szubjektív kifejezés, a szabad formák, a bonyolultabb dallam és ritmus, valamint a kromatika jellemezte. A fő zenei személyiségek Mrylene -i Phrynis (i. E. 450 körül), tanítványa, Timotheus Timótheusz
Kr. e. 450 és#8211c.357, i. e., Miletosz görög költő és zenész. A zene újítója, egy húrral egészítette ki a kitharát. Ditirammjainak és nomináinak töredékei megmaradtak. Euripidész írta a prológust az övéhez Persae, egy lírai nome.
. További információért kattintson a linkre. Miletus, és Euripidész dramaturg Euripidész
, I. E. 480 vagy 485 �, görög tragikus drámaíró, Aiszkhülosz és Sophokles között. Attikában született, élete nagy részében Athénban élt, bár sok időt töltött Szalamiszon. Macedónban, Archelaus király udvarában halt meg.
. További információért kattintson a linkre. . Végül az ókori görög zene elvesztette életerőjét, és a római uralom alatt jelentéktelenné csökkent.

A zenei jelölésnek két rendszere volt zenei jelölés,
zenei hangok írásos rögzítéséhez használt szimbólumok.

Két különböző betűrendszert használtak az ókori Görögország hangszeres és énekes zenéinek leírására. Zeneelméleti öt tankönyvében Boethius (kb. 470 és#8211A.D.
. További információért kattintson a linkre. , ének és hangszeres, mindkettő, bár még mindig problémás. Megfejthetők nagyrészt a Bevezetés a zenébe írta Alypius Alypius
vagy Alypios
, fl. c. 360, görög szerző Bevezetés a zenébe, a görög zenei jelölés modern ismereteinek fő forrása.
. További információért kattintson a linkre. (kb. 360). Annak ellenére, hogy az ókori Görögország kulturális életében a zene kiemelkedő helyet foglal el, mindössze 15 zenei töredék maradt fenn, amelyek mindegyike a posztklasszikus időszakból származik. Történetének elején a görög zenének hasznára vált a felfedezés, amelyet általában Pythagorasnak tulajdonítottak Pitagorasz
, i. sz. 582 –c.507, ie. Szókratész előtti görög filozófus, a pitagorasz-iskola alapítója. Szülőföldjéről, Szamoszból Crotonába vándorolt, és titkos vallási társaságot vagy rendet hozott létre, amely hasonló a korábbi orfikus kultuszhoz, és esetleg befolyásolja is azt.
. További információért kattintson a linkre. Samos, a hangok és a feszített húr felosztásai közötti számviszonyok. A temperamentum vérmérséklet,
a zenében bizonyos intervallumok megváltoztatása akusztikailag helyes értékeikből, hogy olyan hangolási rendszert biztosítsanak, amely lehetővé teszi, hogy a zene a kulcsról a kulcsra mozoghasson anélkül, hogy elfogadhatatlanul tisztátalan szonorizációkat hozna létre.
. További információért kattintson a linkre. , vagy Pitagorasz hangolása, amely ebből az arányszámból származik, fontos volt a későbbi zenei történelem során.

Modern görög zene

A közel kétezer évig szunnyadó görög zene a 19. században zenei újjászületésen ment keresztül. Nikolaos Mantzaros (1795 �), Spyridion Xyndas (1812 󈟌) és Spyros Samaras (1861 �) operazeneszerzők műveivel. A nacionalizmus elemei elterjedtek George Lembalet (1875 �) és Manos Hadjidakis (1925 󈟊) népdalában. Görögországban bevezette Nikos Skalkottas (1904 󈞝), sorozatzene sorozatzene,
azok a kompozíciók, amelyek alapvető szintaktikai referenciája a tizenkét hangmagasság-osztály egy meghatározott sorrendje (sorozatnak vagy sornak nevezett): m, C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B & mdasht, amelyek egyenrangúak skála.
. További információért kattintson a linkre. Yorgos Sicilianos és Iannis Xenakis írta Xenakis, Yannis vagy Iannis
, 1922 �, görög-francia zeneszerző, szül. Br ăila, Románia. Xenakis építészetet tanult Athénban (1940 󈞛), és tevékeny volt a náciellenes ellenállásban.
. További információért kattintson a linkre. , aki elektronikus zenét is ír elektronikus zene
vagy elektroakusztikus zene,
kifejezés olyan kompozíciókra, amelyek az elektronikus média képességeit használják fel hangok létrehozására és megváltoztatására.

Kezdetben különbséget kell tenni az elektronikus műszerek és a
. További információért kattintson a linkre. . A 20. század végén. Görögország legnépszerűbb zeneszerzője valószínűleg Mikis Theodorakis (1925 –) volt, akinek az 1960 -as és 70 -es években a katonai uralom ellenzése több év börtönbüntetésbe került, és megakadályozta operáinak, szimfonikus műveinek és filmzenéinek betiltását (különösen Zorba a görög), és több száz dal.

Bibliográfia

Lásd C. Sachs, A zene felemelkedése az ókori világban (1943) E. A. Lippman, Zenei gondolat az ókori Görögországban (1964).


Ógörög zene - történelem

Zene a görög és római világban

Homérosz korától kezdve a zene a görög kultúra szerves része volt. A fesztiválokat, rituálékat, bulikat, munkát, játékokat, színházat és háborút mind zene kísérte. A görög irodalom magasztalta a zenét, és összekapcsolódott vele: a ma ismert görög költészet és dráma nagy részét eredetileg énekelték vagy zenei kísérettel. A hivatásos zenészek a társadalom értékes tagjai voltak, akik érdemeit nyilvános versenyeken értékelték. Ezenkívül a zenei nevelés fontos része volt az elit képzésének, és az amatőr zenei eredményeket a kultúra és az ízlés jelének tekintették. A görög zenét az egész mediterrán világ ismerte, befolyásolta és befolyásolta a többi zenei hagyomány, amellyel találkozott.

Ezzel szemben a Római Köztársaságban a zenét nem tartották olyan nagyra. A zenét nem tekintették az elit alapvető oktatásának részének, és az amatőr zenei előadást nem bátorították, hogy a hivatásos zenészeket alacsony tiszteletben tartsák. Ez a helyzet fokozatosan megváltozott, nagyrészt a görög zene hatásának köszönhetően: a császári időszakban a zene tiszteletreméltóbbá vált mind szakmai, mind amatőr környezetben. Bár néhány római szerző még mindig gyakran a dekadencia jeleként értékelte, a zenei előadások gyakoriak voltak, és a képzett zenészeket nagyra értékelték. A zene nagy jelentőséggel bírt bizonyos vallási összefüggésekben az egész római világban.

A görög nyelvű zenével kapcsolatos elméleti értekezések megőrzik az akkor használt módok és skálák bonyolult rendszerének nagy részét, ugyanakkor foglalkoznak olyan kérdésekkel is, mint a zene erkölcsi és etikai hatása a társadalomra. Ezenkívül a görög kottarendszerek lehetővé tették az ősi zene felvételét-körülbelül ötven kompozíció ismert ilyen forrásokból (a legtöbb töredékes).

A görög és római zenészek rendelkezésére álló hangszerek széles skálát fedtek le. A húros hangszerek közé tartozott a hárfa, a líra, a kitara és a barbit, a lant később jött (talán Egyiptomból vagy a Közel -Keletről). A fúvós hangszerek közül az auloszok-a nádfuvolák, amelyeket gyakran párban játszanak-voltak a leggyakoribbak, míg különféle más nád- és nem nádfuvolák és sípok voltak ismertek. A panpipe csökkenő hosszúságú csövek gyűjteménye volt összekötve, bizonyos esetekben nagyon gyakori. Különféle kürtök és trombiták ismertek, amelyeket gyakran vadászatra és katonai környezetben használnak. Ütőhangszerek közé tartozott a dob, a tamburin, a cintányér és a kasztnit. A zene túlnyomó többsége vokális volt, és az ének volt a zenei tevékenység leggyakoribb formája.

A három kép innen származik: Szarkofág Bacchikus diadallal és Revel
Fehér márvány
Római kor (ie 2. század)
KM 81.3.1
MEGJEGYZÉS: Ez az objektum a Kelsey Museum görög, római és etruszk galériájában látható


A zene- és művészetterápia története

Az ókori Görögországban úgy vélték, hogy a zenének matematikai kapcsolata van a Kozmosszal (Harvey, 1980). Az ókori görög filozófusok úgy gondolták, hogy a zene terápiás célt szolgálhat. A mániás állapotú betegeket gyakran utasították a fuvola megnyugtató zenéjének hallgatására, míg a depresszióban szenvedőknek előírták a cimbalomzene hallgatását (Dobrzynska, et. Al., 2006). Az ókori Görögországban gyógyító szentélyekben himnuszszakemberek és orvosok is helyet kaptak. Pestis történt Spártában i. E. 600 körül, és azt mondták, hogy Thales zenéje gyógyítja (Gfeller, 2002). Érdekes, hogy a görögök a zenét használták az alkohollal kapcsolatos másnaposság első kezelésének (Harvey, 1980).

Pythagoras úgy vélte, hogy a testre és a lélekre egyaránt hatással lehet a zene a törvény és a rend végrehajtása révén (Dobrzynska, et. Al., 2006).

Platón írásai a személyiségreferencia -zene kialakulásáról, mint fontos tényező (Dobrzynska, et. Al., 2006). A zenét a „lélek orvosságának” tartotta (Gfeller, 2002). Platón „levelezés” elmélete azt állította musica mundane levelezett vele musica humana. Más szóval, a „szférák zenéjének mennyei harmóniája” pozitív (vagy negatív) hatást gyakorolhat a „földi lelkekre”. Ahogy a zene újraharmonizáción megy keresztül, az emberi test és az emberi faj is egyensúlyba kerül, és így a zenének terápiás értéke van (Ansdell, 2004). A görög Etosz -tanról Platón azt mondta: „A zene olyan művészet, amely áthat a lélek legmélyére.” (Harvey, 1980).

Arisztotelész úgy vélte, hogy a zenének katartikus hatásai vannak, és katarzis útján mentesítheti a negatív érzelmektől (Dobrzynska, et. Al., 2006). Arisztotelész úgy vélte, hogy az ideális környezet megteremtése elősegíti az optimális mentális és fizikai jólét elérését. Elmélete kifejezetten megemlíti, hogy a dal, a bor és a nők a három szükséges összetevő ahhoz, hogy optimális környezetet teremtsenek az ember számára (Ansdell, 2004).


Bibliai említések

Saul királyt terápiás környezetben zenével kezelték. Depressziós tüneteit David hárfajátéka enyhítette (Dobrzynska, et. Al., 2006).

14 Most az Úr lelke eltávozott Saultól, és gonosz[a]szellem a

Dávid Saul királyban játszik

15 Saul kísérői így szóltak hozzá: „Látod, Istentől való gonosz lélek kínoz téged. 16 Uram parancsoljon ide szolgáinak, hogy keressenek valakit, aki játssza a lírát. Játszani fog, amikor Isten gonosz lelke rád száll, és jobban fogod érezni magad. ”

17 Saul ezt mondta a kísérőinek: „Keress valakit, aki jól játszik, és hozd el hozzám.”

18 Az egyik szolga így válaszolt: „Láttam a betlehemi Jesse fiát, aki tudja, hogyan kell játszani a lírát. Bátor ember és harcos. Jól beszél, és jól néz ki. És az Úr vele van. ”

19 Ekkor Saul követeket küldött Izaihoz, és ezt mondta: "Küldd el hozzám fiadat, Dávidot, aki a juhokkal van." 20 Jesse tehát fogott egy szamarat, tele kenyérrel, borhéjjal és egy fiatal kecskével, és elküldte őket fiával, Dáviddal Saulhoz.

21 Dávid Saulhoz ment, és szolgálatába állt. Saul nagyon szerette őt, és Dávid az egyik fegyverhordozója lett. 22 Ekkor Saul üzenetet küldött Izsének: „Engedd, hogy Dávid maradjon a szolgálatomban, mert örülök neki.”

23 Valahányszor Isten lelke támadt Saulon, Dávid felvette líráját és játszott. Ekkor Saul megkönnyebbül, és jobban érzi magát, és a gonosz lélek elhagyja őt.

(Sámuel, 16: 14-23)


Primitív és indián kultúrák

Sok primitív kultúrában a zenét a mindennapi élet fontos részének tekintették. Minden olyan tevékenység, amely az istenek segítségét igényelte, különleges dalokat használt fel, amelyekről úgy vélték, hogy összekötik a földi világot a természetellenesekkel (Gfeller, 2002). Egyes kultúrák, köztük az indián hagyomány, úgy gondolták, hogy a zenének misztikus ereje van. A zenét gyógyító rituálékban használták, gyakran éneklés és ütőhangszeres éneklés formájában. E zenei gyógyító hagyományok közül sok ma is része az indián életnek (Dobrzynska, et. Al., 2006). Az Egyesült Államok Indiai Irodája 1500 dalt tartalmaz, amelyeket a bennszülött amerikaiak gyógyító célokra használnak (Harvey, 1980).

Sok előre írástudó társadalomban volt egy nagyra becsült személy, akit „sámánnak” vagy orvostudománynak neveztek. Úgy gondolták, hogy a Sámán képes kombinálni a mágiát és a zenét, hogy meggyógyítsa a sérülteket, meggyógyítsa a betegeket és elhárítsa a gonoszt. A rituálék során dalokat énekeltek és ütőhangszereket, például dobokat használtak (Gfeller, 2002). Indiában Shamen úgy vélte, hogy gyógynövényeiknek nincsenek gyógyító erejük zene hozzáadása nélkül (Harvey, 1980).


Középkor

A középkorban a görög filozófusok sok elképzelését elvetették, beleértve a zene terápiás értékét. A vallási vezetők meggyőződései azonban segítették a zenét abban, hogy megőrizze hatalmának egy részét a közvéleményben. Például Szent Bazil a zenét a szent gyakorlat fontos elemének gondolta, amelynek ereje befolyásolhatja az érzelmeket és eljuttathatja az imádókat a magas vallási állapotokhoz. Boethius úgy vélte, hogy a zenének ereje javíthatja az emberek erkölcsét. Míg a középkorban kevesen foglalkoztak a nem vallásos értelemben vett zene erejével, Cassiodorus elismerte a zenehallgatás katartikus értékét (Gfeller, 2002). Ebben az időben a legtöbb ember a pszichiátriai rendellenességeket Isten bűnért való büntetésének tekintette. Az arab országok azonban másképp vélekedtek a pszichiátriai betegségekről, inkább Isten ajándékának tekintették őket. Az első pszichiátriai osztályokat arab régiókban alapították. Konstantinápolyban 1560 körül a pszichiátriai zavarokkal küzdő személyeket pszichiátriai kórházakban kórházba szállították, és zenével kezelték őket (Dobrzynska, et. Al., 2006). Ez igaz volt a kalifátus környékének középkori pszichiátriai kórházaira is (Ansdell, 2004).


„Táncmánia” és tarantizmus

1374 -ben pestis történt Németországban, amelyben a szenvedők fékezhetetlenül táncoltak, amíg el nem fogytak a kimerültség miatt. Ezrek haltak meg e „táncmánia” következtében, és a későbbi kitörések egész Európában történtek a tizennegyedik és tizenhetedik század között. A mánia megállításának egyetlen ismert módja az volt, hogy zenész játszott a szenvedő táncosnak (Harvey, 1980).

A tizenharmadik század környékén úgy gondolták, hogy a tarantula harapása tarantizmusnak nevezett betegséget okoz. Úgy gondolták, hogy a betegséget csak olyan zenei megoldással lehet meggyógyítani, amely segít elkülöníteni a mérget az ember vérétől. Ez magában foglalta a zenehallgatást és a táncotarantella (Ansdell, 2004).

Olasz nők táncolják a tarantellát

Bár valószínű, hogy a táncmániában és a tarantizmusban szenvedők pusztán társadalmilag kitalált betegségek áldozatai voltak, mégis érdekes megjegyezni, hogy ezeknek a szenvedéseknek a vélt gyógymódjai a zenét is magukban foglalják.



A reneszánsz

Music continued to be used to treat depression and mania during the Renaissance, but it’s uses expanded as well. Italian composer and music theorist Zarlino believed that musical harmony had healing abilities. He described many effects of music that can be seen as therapeutic or curative. Zarlnio said that music could be used to treat pain relief, depression, mania, and the plague. He also thought that music had the ability to restore hearing. (Dobrzynska, et. Al., 2006).

Ansdell, G. (2004). Book review: Music as medicine- The history of music therapy since antiquity. Psychology of Music, 32, 440-444.

Dobrztnska, E., Cesarz, H., Rymaszewska, A. K. (2006). Music therapy- history, definitions and application. Archives of Psychiatry and Psychotherapy, 8 (1), 47-52.

Gfeller, K. E. (2002). Music as a therapeutic agent: Historical and sociocultural perspectives. Music therapy in the treatmet of adults with mental disorders theoretical bases and clinical interventions, 60-67.

Harvey, A. W. (1980). The therapeutic role of music in special education Historical perspectives. The Creative Child and Adult Quarterly, 5 (3), 196-204.


History of Greece: Introduction

The ancient Classical and Hellenistic eras of Greece are undoubtedly the most splendid, having left behind a host of ideas, concepts, and art to provide the foundation of what we call &ldquowestern civilization&rdquo. However, the two previous millennia that lead to these ancient eras, as well as the other two millennia that succeeded them are all part of the history of Greece and have left just as rich a cultural footprint on the land.

Much of the ancient Greek civilization has survived either directly or through permutations to our day. The ancient Greek dialects are influential even to this day with much Greek vocabulary embedded in the Modern Greek and English languages. Likewise, the art and architecture of ancient Greece has remained relevant and influential up to our time in the breadth of western society. The much-celebrated Renaissance was guided in large part by the re-discovery of the ancient Greek ideas through text and art, which were hitherto suppressed by the belief in the absolute authority of the supernatural power and the church.

It should be noted that History is a discipline that was conceived first in Ancient Greece. Herodotus (484 &ndash 425 BCE) is considered the Father of History, as he was the first who attempted to record events and human actions for the sole purpose of preserving them for future generations. The very first lines of his Histories read: &ldquoHerodotus of Halicarnassus here displays his inquiry, so that human achievements may not become forgotten in time, and great and marvelous deeds &ndash some displayed by Greeks, some by barbarians &ndash may not be without their glory&rdquo (Herodotus, 3). Being the first to attempt such a feat, Herodotus was not spared from harsh criticism for including in his Histories (written between 431 and 435 BCE), myths, legends, and outrageous tales.

&ldquoI have written my work, not as an essay which is to win the applause of the moment, but as a possession for all time.&rdquo (Thucydides, 16)

Not much later than Herodotus, Thucydides (460 &ndash 395 BCE) with his History of the Peloponnesian War, put his own stamp on the discipline of History by attempting to present history in an &ldquoobjective&rdquo way, and to make correlations between human actions and events. Their approach and methods of recording historical events became the guiding light for historians of the next two thousand years.

This brief history of Greece is compiled here as an introduction to web readers and to provide the historical background that&rsquos needed to appreciate all the subjects of Ancient Greek culture. It was no easy task to compress the history of Ancient Greece into a concise format that would be appropriate both for online reading and as a precise overview of the subject. Suffice to say that each sentence of this essay has been the subject of countless volumes of discourse throughout history. Further reading can be found in the bibliography. -- 6/2007


Greek music: Ancient Greek Music

The music of ancient Greece was inseparable from poetry and dancing. It was entirely monodic, there being no harmony as the term is commonly understood. The earliest music is virtually unknown, but in the Homeric era a national musical culture existed that was looked upon by later generations as a golden age. The chief instrument was the phorminx, a lyre used to accompany poet-singers who composed melodies from nomoi, short traditional phrases that were repeated. The earliest known musician was Terpander of Lesbos (7th cent. BC). The lyric art of Archilochus, Sappho, and Anacreon was also musical in nature.

In the 6th cent. BC, choral music was used in the drama, for which Pindar developed the classical ode. The main instruments at this time were the aulos, a type of oboe associated with the cult of Dionysus, and the kithara, a type of lyre associated with Apollo and restricted to religious and hymnic use. This classical style of composition decayed in the last quarter of the 5th cent. időszámításunk előtt

After the fall of Athens in 404 BC, an anti-intellectual reaction took place against the classical art, and by about 320 BC it was almost forgotten. The new style, which resulted in the rise of professional musicians, was marked by subjective expression, free forms, more elaborate melody and rhythms, and chromaticism. The chief musical figures were Phrynis of Mitylene (c.450 BC), his pupil Timotheus of Miletus, and the dramatist Euripides. Finally, ancient Greek music lost its vitality and dwindled to insignificance under the Roman domination.

There were two systems of musical notation, a vocal and an instrumental, both of which are, though still problematic. They are decipherable largely because of the Introduction to Music written by Alypius (c.AD 360). In spite of the prominent position of music in the cultural life of ancient Greece, only 15 musical fragments are extant, all which date from the postclassical period. Early in its history, Greek music benefited from the discovery, usually attributed to Pythagoras of Samos, of the numerical relations of tones to divisions of a stretched string. The temperament, or Pythagorean tuning, derived from this series of ratios has been important throughout subsequent music history.

The Columbia Electronic Encyclopedia, 6th ed. Copyright © 2012, Columbia University Press. Minden jog fenntartva.


Ancient Greek modes

The modes of Greek antiquity were placed by theorists in orderly fashion within a larger context. Although the modes were a series of seven-note diatonic scales (i.e., containing five whole tones and two semitones), the nucleus of the tone system was the tetrachord—a group of four consecutive notes (as, from C to F on the piano) comprising the interval of a fourth. Except in late antiquity, the notes were always arranged in a descending order, the basic tetrachord consisting of two whole tones and one semitone: E–D–C–B. Two such tetrachords, separated from one another by a whole tone, formed the so-called Greek Dorian mode: E–D–C–B A–G–F–E. The Dorian mode was taken as a basis for the construction of the larger system. Its single-octave range was extended by the addition of a third tetrachord, A–G–F–E, on top and of a fourth tetrachord, E–D–C–B, at the bottom. In contrast to the two inner tetrachords, which were separated by a whole tone, each outer tetrachord was linked with the neighbouring inner one by a shared note:

A G F E D C B A G F E D C B.

Because the combination of the four tetrachords yielded a range of two octaves minus one whole tone, a low A was added by theorists to achieve the following diatonic two-octave system: A G F E D C B A G F E D C B A. This two-octave row, or disdiapason, was called the Greater Perfect System. It was analyzed as consisting of seven overlapping scales, or octave species, called harmoniai, characterized by the different positions of their semitones. They were termed as follows (semitones shown by unspaced letters):

A G FE D CB A Hypodorian
G FE D CB A G Hypophrygian
FE D CB A G FHypolydian
E D CB A G FEDorian
D CB A G FE D Phrygian
CB A G FE D C Lydian
B A G FE D CB Mixolydian

Although the names of the harmoniai were identical with those of the Greek modes, the harmoniai were instead projections of the modal patterns into the more extensive Greater Perfect System. The modes proper were termed tonoi, their essence being their interval pattern. On the kithara or lyra (the two basic plucked stringed instruments of ancient Greece) the tonoi were produced either by the basic tuning or by the raising or lowering of one or more of the strings by a semitone.

Greek theory distinguished three different genera of tetrachords, producing an additional variety of modes. The previously described tetrachord (two descending whole tones plus one semitone) was called diatonic. There were also chromatic and enharmonic genera. The two tones bounding the tetrachord were fixed and always formed a perfect fourth the two inner tones were movable. The chromatic tetrachord consisted of a minor third (encompassing 1 1 /2 whole tones) plus two semitones, the enharmonic tetrachord of a major third (encompassing two whole tones) plus two approximate quarter tones:

Also prominent in Greek music was the concept of ethos, which ascribed certain ethical characteristics to the different modes. The Dorian mode was preferred because of its strong and virile character the Phrygian mode was ecstatic and emotional, the Lydian mode intimate and lascivious. Ban,-ben Köztársaság Plato stressed the educational values of the Dorian mode and warned against the softening influence of the Lydian ode.

In early Greek antiquity a system of modal categories developed, referred to as nomoi (singular, nomos, “law”). Az nomoi represented modes in that they were characterized by distinctive melodic formulas suited to different song types. The performers were free to improvise within the boundaries of those modal formulas.


Ancient Greek Music - History

SUMMARY OF WESTERN CLASSICAL MUSIC HISTORY
by Marlon Feld

The following is an outline of the history of Western classical music. Although "Western" and "classical" are inexact terms, they do name a reasonably coherent musical tradition that stretches from the Dark Ages to the present day. The descriptive texts will not delve deeply into matters of musical meaning or technique the purpose of the outline is to give you a basic working familiarity with different periods and styles.

Medieval History (Plainchant through Machaut)

Western classical music history is traditionally understood as beginning with plainchant (also called "Gregorian" chant), the vocal religious practice of the Roman Catholic Church. Plainchant was transmitted by memory until the early 9th century, when the Holy Roman Emperor Charlemagne arranged for it to be notated, and for standardized plainchant books to be distributed to churches and monasteries across Europe. Limited in pitch range and monophonic (i.e., composed of a single melody with no accompaniment), plainchant was sung largely by monks, nuns, and clerics rather than by professional singers. Plainchant was sung in the Divine Offices, eight daily prayer services using Old Testament texts, and in the Mass, a midmorning celebration of the life and death of Jesus Christ. The Alleluia reproduced here was a chant of jubilation ("Alleluia" = "Hallelujah"), sung as part of the Mass.

The earliest major repertory of Western secular (non-religious) music which has come down to us is that of the troubadors and trouveres, French poet-musicians of the Middle Ages who set their own poems to music. The majority of the resulting songs were about love, often the fictionalized, abstracted "courtly love" of a male character for a noblewoman above his social level. Because troubador songs were notated as simple rows of pitches without rhythm, the rhythms and instrumental accompaniments of modern performances are based on conjecture images of troubadors in medieval manuscripts have offered hints as to what instruments were played. Bernart de Ventadorn (c. 1140- c. 1200) was one of the greatest of the troubadors. His "La douza votz," written in the now-extinct language Provencal, deals with the singer's rejection by the lady whom he has long served.

LISTEN: Bernart de Ventadorn, "La douza votz" (The sweet voice) (late 12th c.) [Text]

In the 10th and 11th centuries, composers began setting sacred texts polyphonically (i.e., with more than one melody at the same time). Leonin (c. 1135- c. 1200) wrote polyphonic settings of the texts sung on the most important occasions of the Christian year, such as Christmas and Easter. He did this by greatly slowing down an existing plainchant, and adding to it a new, more rapidly flowing musical line at a higher pitch. This technique was called organum the slowed-down plainchant was called the tenor. Some sections of Leonin's polyphony were sped up and rhythmicized later composers added the words of devotional poems to Leonin's notes. This example uses the Alleluia pascha nostrum plainchant as its tenor it was sung as part of Easter services at the spectacular Gothic cathedral Notre Dame of Paris.

LISTEN: Leonin, Organum: Alleluia pascha nostrum (late 12th c.) [Text]

Evidence suggests that the compositions of Perotin (active c. 1200), like those of Leonin, were sung at Notre Dame of Paris. Many of Perotin's organa (pl. organum) included two or, as in this example, three active musical lines above the tenor. Perotin slowed down the tenor to an incredible degree--in this example, it takes the tenor four minutes to sing the two words "Viderunt omnes"! Viderunt omnes is a gradual, a joyful text sung in response to a New Testament reading during Mass It was sung on Christmas Day.

LISTEN: Perotin, Organum: Viderunt omnes (c. 1200) [first 4:00] [Text]

In the 13th century, rhythmic passages of organum to which words had been added (such as the passage in the middle of the Leonin organum above) began to be treated as standalone musical works called motets (literally, "worded"). Soon, three-part motets appeared, with a different text sung in each voice. (Sometimes the texts were in different languages!) Composers came to use for tenors secular French songs as well as passages of plainchant. One such composer was Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), who was not only a musician of great renown but also a poet whose stature approached that of Chaucer. The following motet is based on a secular tenor each of its three voices sings a different French love poem.

Renaissance History (Dufay through Praetorius)

The tradition of the motet continued into the 15th century. Guillaume Dufay (c. 1400-1474), the most renowned composer of his time, composed grand motets for ceremonial occasions in early Renaissance Italy. Nuper rosarum flores commemorates the dedication of the cathedral Santa Maria del Fiore in Florence in 1436. Dufay owed his rich sound to harmonic techniques brought from England by his contemporary John Dunstable.

The Renaissance's grandest, most highly valued works of vocal music were polyphonic settings of the Ordinary of the Mass. The Ordinary is composed of five texts--Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, and Agnus Dei (the first words of the texts)--that were included in every Mass, not only in Masses that celebrated special occasions. Each text was set as a separate movement. Often, each movement began with a similar melody, in which case the Mass was called "cyclic" when that melody was taken from plainchant or from a secular song, the Mass was called a "parody Mass" ("parody" meant in the sense of imitation, but not humorously). The most famous mass of Josquin des Pres (1440-1521) was that parodying the plainchant beginning with the text "Pangue lingua." By Josquin's time, the slow-moving tenors of the Medieval era had been replaced by lower voices that moved as quickly as the higher voices the vocal ranges specified for the various singers were equivalent to our soprano, alto, tenor, and bass.

LISTEN: Josquin, Missa Pangue Lingua, Gloria (c. 1510)

From about 1530 to 1600, the pre-eminent form of secular vocal music in Europe was the madrigal. The madrigal typically set a poem in Italian (later, often in English) with an intense emotional cast. The setting was usually for four or five voices with no instrumental accompaniment, although instruments were probably added in performance at times. Jacques Arcadelt (c. 1500-1568) was a Frenchman, but wrote madrigals in the Italian city of Florence. The most famous example of his work is Il bianco e dolce cigno.

LISTEN: Arcadelt, Il bianco e dolce cigno (The White and Gentle Swan) (1539) [Text]

Toward the end of the 16th century, madrigals became more tortuous harmonically and more aggressive in their use of musical devices to project the text's meaning and character. Luca Marenzio (1553-1599) was the most celebrated "madrigalist" of his day.

LISTEN: Marenzio, Solo e pensoso (Alone and Pensive) (1599) [Text]

The instrumental music of the Renaissance largely fell into two categories: transcriptions of vocal music, and dance music. Different dance styles corresponded to different underlying musical rhythms (as with today's Latin dance music). The German Michael Praetorius (1571?-1621) composed a large set of dances entitled "Terpsichore," after the Greek Muse of dance. A group of brief "voltes" is reproduced here the volte was a dance from Southwest France in which the woman leapt high in the air ("volte" = vault). Praetorius gave no indication of what instruments were to be used--his dances were played by whatever instruments were available. Here, the Early Music Consort of London switches between four different "consorts" of instruments, one per volte, before all four consorts play the end of the fourth volte together. A consort was a set of instruments similar in design and tone but varied in size and pitch.

LISTEN: Praetorius, Terpsichore, Voltes (1612)


Baroque History (Peri through J. S. Bach)

The Baroque era of Western classical music is usually defined as the period from 1600 to 1750. (These dates are, of course, rough the Renaissance dances of Praetorius were written in 1612.) Two stylistic tendencies that partially define the Baroque were an increased interest in the solo voice and a rise in the status of instruments and instrumental music.

The first of these tendencies was born in Florence, among a group of musicians and philosophers called the Florentine Camerata ("camerata" = chamber, as in a "chamber of commerce"). The members of the Camerata sought to create a form of stage music comparable in expressive power to ancient Greek tragedy. They disparaged the polyphonic madrigal, creating instead a new form--the opera--in which soloists sang against an instrumental background. The earliest opera that has entirely survived is L'Euridice, by the Camerata member Jacopo Peri (1561-1633). L'Euridice presents the legend of Orpheus and Eurydice, altered so that Orpheus successfully retrieves Eurydice from the underworld in a happy ending.

LISTEN: Peri, L'Euridice, "Nel pur ardor" forward (1601) [Text]

The showpiece of opera came to be the aria, a self-contained, melodious passage that revealed the mood or attitude of the character singing it. The arias in a given opera were separated by recitative, a faster-moving, more speechlike form of singing. Henry Purcell (1659-1695) wrote Dido and Aeneas to be performed by the students at a girls' school.

The tradition of religious polyphonic vocal music continued in the Baroque era. Martin Luther, the author of the Reformation, was also a musician in the 16th century, he collected hundreds of tunes to serve as devotional hymns for his new Protestant Church. In the 18th century, German composers created cantatas ("cantata"=sung), multi-movement works that elaborated on Luther's hymns. The cantatas of Johann Sebastian Bach (1685-1750) included both chorales and aria-like solos. The chorale "Wachet auf" is among Bach's most famous. Unlike the choral music of the Renaissance, "Wachet auf" included parts written for instruments.

LISTEN: J. S. Bach, "Wachet auf, ruft uns die Stimme" (Wake up, the voice calls us!) (1731) [Text]

The oratorio shared the cantata's form on a larger scale. While most (but not all) German cantatas were religious works written for the church, oratorios could be written on secular topics and performed in secular settings. Az Messiás, by George Friedrich Handel (1685-1759), was performed in concert halls, but treated a sacred subject: the life of Jesus Christ, with devotional passages interspersed. (Some complained at the time that such a religious work was out of place in the concert hall.) Here is the chorus "All we like sheep have gone astray"--allegorically astray from the righteousness of Jesus and the New Testament God.

In their new focus on instrumental music, Baroque musicians valued no instrument more highly than the violin. They believed the violin's tone to have expressive powers akin to those of the voice. Violins were the melodic leaders of the trio sonata ("sonata"=sounded), which despite its name made use of four instruments: two violins, a cello (a much lower string instrument), and a harpsichord (a keyboard instrument within which strings are plucked). (The cello played the same music as did the harpsichordist's left hand thus, there were really only three independent parts, hence "trio.") The trio sonata consisted of a few short movements, some fast, some slow. This movement by Domenico Gallo (active 18th c.) is fast, but not as fast as some.

LISTEN: Gallo, Trio Sonata #1, first movement (early 18th century)

The concerto called for a larger group of instruments than did the trio sonata. In the concerto. a soloist or small group of soloists contrasted with a larger ensemble. (But even the larger ensemble was typically far smaller and more homogenous than today's symphony orchestra.) Concertos often alternated between passages showing off the soloist's technical prowess and passages showing off the weight of the full ensemble. The most famous of Baroque violin concertos today are those collected in the Four Seasons of Antonio Vivaldi (1678-1741). Reproduced here is the final movement of "Autumn," a movement representing the hunt.

LISTEN: Vivaldi, Four Seasons, "Autumn," last movement (1725)

Keyboard instruments were also vehicles for virtuosic display. The toccata ("toccata"=touched, as in the keys) was a one-movement showcase of intricate melodic patterns and fast fingering. The name most closely associated with the toccata is that of Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

The fugue combined the virtuosity of the toccata with a more consistent, structured approach. This approached consisted of the repetition of the same melody (the "subject") in a number of polyphonic "voices," which voices then continued, re-introducing the subject at fairly regular intervals. Pre-eminent among fugues are the 48 in J. S. Bach's collection The Well-Tempered Clavier. ("Well-tempered" meant tuned well "clavier" referred to any instrument with a keyboard, except a pipe organ.)

Classical History (Gluck through Beethoven)

With regard to Western music, the latter half of the 18th Century is often called the "Classical" period the music of this period is considered very different from that of the Baroque period. Yet the transition from Baroque to Classical was gradual. Three trends of the middle years of the 18th century were behind this transition.

The first trend was known as Reform Opera. A number of composers reacted against what they saw as the stilted conventions of Italian Baroque opera. They wanted to make Italian opera more natural, more directly expressive, with more focus on the dramatic narrative and less focus on providing solo singers with passages of elaborate, showy ornamentation. The most successful of these composers was Christoph Willibald Gluck (1714-1787). The topics of Reform opera were not new: Gluck's opera Orfeo ed Euridice retells the Orpheus legend, as did Monteverdi's famous Orfeo 150 years before. In the aria "Che fiero momento," Euridice sings of her trepidation at being led away by Orpheus from the calm of the underworld.

The second trend was a change in the style of solo keyboard music. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), a son of the (now) more famous J.S. Bach, preferred not the harpsichord but the clavichord and the fortepiano, instruments that could play louder or softer depending on the force with which their keys were struck. Bach's keyboard music uses this dynamic variability to appropriate some of the character of 18th-century Italian vocal music. Bach's slow movements, such as the one reproduced here, exemplified the empfindsam ("full of feeling") style, which was believed to express restrained passion and melancholy.

The third trend was the introduction of the symphony, a multi-movement work for orchestra. Early symphonies, such as those of Giovanni Battista Sammartini (1701-1775), were modeled on the overtures (introductory instrumental pieces) of Baroque Italian opera.

Over time, the symphony gained in prestige longer symphonies were written, for larger orchestras. (Yet the late 18th-century orchestra still numbered about 30 players, in contrast to the 70 or more players in modern orchestras.) Franz Joseph Haydn (1732-1809) wrote 104 symphonies during his long career many of these were written for the private orchestra of Prince Nicholas Esterhazy. The following symphony was written near the end of Haydn's career, for the popular audience in London.

Haydn also wrote many examples of the string quartet, another genre born in the late 18th century. "String quartet" names a certain combination of instruments--two violins, viola, cello--and also names any work written for this combination. Unlike the chamber music of the Baroque, the string quartet lacks a basso continuo. Haydn's string quartets typically included four movements, of which the last was often buoyant and rapid.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) toured Europe as a child prodigy upon reaching adulthood, he settled in Vienna. Although Vienna was in German-speaking territory, Viennese opera was dominated by Italian style, as was the opera of much of Europe. The Italian operas that Mozart wrote in Vienna were in the traditional Italian buffa (comic) style, yet they went beyond buffa comedy to engage social and moral issues. Habár Don Giovanni is normatively an opera buffa, the title character is not comedic Don Juan, as he is most often known to us, womanizes with a singular ferocity and a disregard for the social class of his victims. In the following excerpt, the Don's buffa servant Leporello reads from a book listing the Don's thousands of past romantic conquests.

The piano concerto movement reproduced here reflects both Mozart's orchestral style and his style of writing for the piano, an instrument quickly gaining in popularity at the expense of the harpsichord. The concerti of the Classical period were usually for single soloists, as opposed to groups of soloists as in concerti grossi the orchestra used was comparable to that used in the Classical symphony.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) studied with Haydn and other Classical composers as a young man he found commercial success in late 18th-century Vienna, as had Haydn and Mozart. Yet Beethoven was considered a proto-Romantic by his 19th-century successors. Beethoven's image as a scowling, disheveled eccentric is largely undeserved, but it is true that Beethoven fought deafness throughout much of his life, and that some of his music seemed awkward and violent to those who first heard it. The first movement of Beethoven's Symphony No. 5 is built on the sonata-form model, but its famous opening and its protracted coda (ending) were novel features.

Beethoven composed string quartets throughout his life. Those written near the end of his life, such as the one reproduced here, grew farther and farther from the norms of Classical style. Some scholars divide Beethoven's career, rather artificially, into three periods the Symphony No. 5 belongs to the second of these periods, and the String Quartet op. 131 to the third. (The first period includes works that are considered to be closest to the Viennese Classical style of Mozart and Haydn.)

Much of the music of the 19th century has been called "Romantic" music, so that Romanticism in Western music is considered the sequel to Classicism. What is certain is that many early 19th-century composers were influenced by the literary Romantics, such as Johann Wolfgang von Goethe. Poems by Goethe and other German-speaking authors were set to music, to be performed by solo singer and piano these brief settings were known as Lieder (literally, "songs" but distinguished from the less weighty Gesangen). Robert Schumann (1810-1856) was renowned for his Lieder. "Kennst du das Land?" sets a passage from Goethe's epic Wilhelm Meister, in which a young woman begs her "protector," the title character, to let her return to her home.

Romantic History (Schumann through Mahler)

LISTEN: Schumann, "Kennst du das Land?" (Do you know the place?) (1849) [Text]

The Romantic era was the heyday of the programmatic orchestral work. A program, in the musical sense, is a narrative that is to be presented, or at least suggested, by a purely instrumental composition. The French composer Hector Berlioz (1803-1869) subtitled his Symphonie fantastique "Episode in the Life of an Artist" at the symphony's performance, he distributed a program that detailed the travails of an artist suffering unrequited love. (It was an open secret that the artist was a fictionalized version of Berlioz himself, struck with love for with the actress Harriet Smithson.) The movement reproduced here, the fourth of five, is meant to depict the artist's drug-induced vision of being marched to the gallows to be hung.

The 19th century was also the heyday of the piano "miniature," short in length yet often emotionally charged. Fryderyk Chopin (1810-1849) was born in Poland, but lived in Paris for most of his working life. He composed solo piano music almost exclusively. Chopin's piano pieces did not carry poetic titles, as did those of some contemporaries instead, he assigned them to different types (etude, ballade, mazurka--the last a Polish dance). The "Preludes" were not introductory to other musical works, despite their names they were standalone pieces that did not fit into Chopin's other categories. Chopin's 24 preludes are often played as a set.

The operas of Giusuppe Verdi (1813-1901) dominated Italian music from the 1840's through the 1880's. Like many composers of the middle and late 19th century, Verdi was an ardent nationalist, believing that music written by Italians should exemplify a particularly Italian style. This style was based on a type of singing called bel canto ("beautifully sung"), which involved continuous, flowing melodies, emphasis on vowels, and long, high climaxes at dramatic points. Verdi also made heavy use of onstage choruses, often creating scenes in which the singing of soloists and of the chorus overlapped. Verdi's recitative passages were accompanied by full orchestra, making them more continuous with arias than were 18th-century recitatives, which were accompanied by harpsichord. In this scene from La Traviata, the spurned Alfredo accuses his ex-lover Violetta of infidelity, infidelity Violetta resorted to so as to protect Alfredo's family name. (It's a long story!)

Like Verdi, Richard Wagner (1813-1883) dominated the opera scene of his country--in Wagner's case, Germany. Also like Verdi, Wagner was a fervid nationalist he believed that German opera should be free of Italian and French influence, to the point of excluding self-contained arias entirely. In Wagner's ideal German opera, music, poetry, action, staging, and even set design were perfectly fused in the service of a single dramatic idea, as expressed through a story from Teutonic legend. (Wagner's term for the product of such a fusion was Gesamtkunstwerk-- "total art work.") Wagner intended the orchestra to play as great a role as the sung words in furthering the operatic narrative. To this end, he assigned the orchestra Leitmotiven ("leading motives"), brief melodic fragments which were associated with characters, objects, or ideas presented onstage. In this scene from Tristan und Isolde, the title characters drink a magic potion that creates undying (and forbidden) love between them. In the long passage without any singing, the potion takes effect as the orchestra presents the "Love-Death" Leitmotiv, which was introduced in a Prelude before the opera's action began.

In contrast to Wagner, who wrote operas almost exclusively, Johannes Brahms (1833-1897) wrote no operas at all. Many Germans considered Brahms to be Beethoven's first worthy successor in the field of instrumental music. The last movement of Brahms's Symphony No. 3 is reproduced here.

As the 19th century ended, composers combined the symphony and the Lied to form the symphonic Lied, for solo vocalist and orchestra. The Austrian conductor Gustav Mahler (1860-1911) wrote numerous sets of symphonic Lieder, as well as nine symphonies (which themselves included symphonic Lieder as some of their movements). Reproduced here is Mahler's "St. Antony's Sermon to the Fishes," a setting of a text from the folk-poetry anthology Das Knaben Wunderhorn (The Youth's Magic Horn).

LISTEN: Mahler, "Des Antoninus von Padua Fischpredigt" (St. Anthony's Sermon to the Fishes) (1893) [Text]

Early 20th-C. History (Debussy through Copland)

Many 20th-century composers turned away from harmonic methods that had been used in music for the past 150 years. The Frenchman Claude Debussy (1862-1918) rejected the rules of 19th-century harmony as they were taught in the Paris Conservatoire, instead infusing his practice with harmonic techniques from East Asia and Russia. Debussy's association with French painters of his time has led some people to label him and his music "Impressionist." Debussy did share with the Impressionist painters a propensity for depicting nature the orchestral piece reproduced here, one of three "nocturnes," is entitled "Clouds." (Debussy's "nocturnes" are not related to Chopin's use of the term.) With Debussy, we enter the "Modern" era of Western art music, an era which presumably continues to the present day.

LISTEN: Debussy, Trois Nocturnes, "Nuages" (Clouds) (1899)

Igor Stravinsky (1882-1971) also wrote music that did not use the harmonic methods of the 19th century. Stravinsky incorporated the folk music of his native Russia into his early compositions, while using harmonic techniques that were radically modern at the time. The subject of Stravinsky's ballet Le Sacre du Printemps ("The Rite of Spring"), a pagan ritual of human sacrifice, was meant to recall "primitive" culture. The excerpt here accompanied one of the ballet's many depictions of ritual dances preceding a final virgin sacrifice.

The American Charles Ives (1874-1954) was yet another composer to react negatively to the strictures of prior musical practice. Ives blended, overlaid, and contrasted snippets of music from all walks of American life: the country church, the dance hall, and the military base. Military music is most evident in "Putnam's Camp, Redding, Connecticut," a musical representation of the Revolutionary army marching at the winter quarters of General Israel Putnam. The tunes "Yankee Doodle" and "The British Grenadiers" are woven into the music, as is John Philip Sousa's march "Semper Fidelis."

Bela Bartok (1881-1945) was not only a composer and a pianist, but also an ethnomusicologist: he used a gramophone to record thousands of folk tunes in his native Hungary and in surrounding countries. Bartok's music ranged from explicit settings of these folk tunes to abstract works which bore a more subtle folk influence. The fourth movement of Bartok's String Quartet #4 probably falls into the latter category. The movement is set entirely in pizzicato--the two violins, viola, and cello are plucked rather than bowed.

The music of the Austrian Arnold Schoenberg (1874-1951) grew farther and farther from 19th-century harmonic models, until he was writing music that has been called "atonal," meaning that, in a certain technical respect, no note in it is more central than any other. (Almost no music from Gregorian times through the 19th century had been atonal.) In the 1920's, Schoenberg introduced the "twelve-tone system," a new technique for organizing music without the need for a central note. Schoenberg's Pierrot Lunaire, setting poems of Albert Giraud, dates from before his twelve-tone period. The poems transport Pierrot, the stock character of the Italian commedia del'arte, into alien, psychologically charged situations. Pierrot Lunaire uses a technique called Sprechstimme ("speech-sound") it is not quite spoken, not quite sung.

LISTEN: Schoenberg, Pierrot Lunaire, #8 "Die Nacht" (The Night), #12 "Galgenlied" (Gallows Song), #13 "Enthauptung" (Beheading) (1912) [Text]

The best-known work of Alban Berg (1885-1935), a student of Schoenberg, is the Expressionist opera Wozzeck. Expressionism, associated with painters and composers in Germany and Austria between the world wars, took as its subject matter the irrational unconscious, inner conflict, and alienation from the conventions of society. The title character of Wozzeck is an impoverished, deranged soldier, who discovers an affair between his lover Marie and the more impressive Drum Major. In the scene reproduced here, Wozzeck finds himself in a crowded bar after having cut Marie's throat near the end of the scene, the crowd discovers blood stains on Wozzeck's arm, inspiring him to flee.

Like Ives, Aaron Copland (1900-1990) drew on American folk music. Copland's ballet Rodeo depicts life among cowboys in the Old West. The melody of the final "Hoe-Down" is borrowed from traditional American fiddling.

LISTEN: Copland, Rodeo, "Hoe-Down" (1942)

Late 20th-C. History (Shostakovich through Harbison)

The Soviet Union under Joseph Stalin was hostile toward "modernist" music, i.e., music that broke too radically with 19th-century style and harmonic technique. The Party preferred aggrandizement of itself and of the Russian people by means of music that was relatively simple and triumphant. Shostakovich's own tastes ran to the satirical and ironic as often as to the victorious. Upon the occasion of victory over the Nazis in 1945, the prominent Russian composer Dmitri Shostakovich (1906-1975) presented his Symphony No. 9. Although the harmonic techniques of the symphony were only moderately removed from 19th-century techniques, Soviet authorities were displeased at the acid sarcasm they heard beneath the first movement's jubilant surface.

The most prominent French composer of the mid-20th century was Olivier Messiaen (1908-1992). Messiaen's music was motivated by his personal brand of Catholic mysticism the sounds of bird calls and the techniques of Indian classical music also influenced him. Messiaen wrote the Quatuor pour la fin du temps while he was imprisoned in a German POW camp during World War II. The title of the first movement, "Liturgy of Crystal," typifies Messiaen's combination of religious themes and vivid imagery.

Music history has always been characterized by the search for ways to make new kinds of sound--by constructing new instruments, by finding new ways of playing old instruments, by finding new ways for performers to work together. The search for new kinds of sound became particularly intense in the mid-to-late 20th century. Ban ben Atmospheres, written by Gy rgy Ligeti (b. 1923), the string instruments combine to form a sound intended to be different from the sound of earlier string ensemble music.

LISTEN: Ligeti, Atmospheres (1961)

The use of early music synthesizers and the physical manipulation of magnetic tape prefigured today's use of digital sampling by many composers. Karlheinz Stockhausen (b. 1928) used a traditional song of religious praise as his raw material in this early example.

LISTEN: Stockhausen, Gesang der Junglige (Song of the Youths) (1956) [first 4:00]

Atonal music using Schoenberg's twelve-tone system never acquired a large popular audience, but it has continued to be used throughout the 20th century. More than anyone else, Milton Babbitt (b. 1916) fueled the stereotype of the university-supported American composer: a cloistered figure writing complex, mathematically controlled twelve-tone music for a narrow audience. Yet Babbitt has often said that the goal of his computations is musical beauty, not abstract cerebration.

LISTEN: Babbitt, Playing for Time (1979)

The term "Minimalist" has been applied to late 20th-century musical works which repeat relatively simple patterns at great length. Steve Reich (b. 1936) is one of the most prominent Minimalists. Övé Piano Phase features a piano playing a short pattern of notes repeatedly at the same time, a recording of the pianist plays back at a speed slightly slower than the original, so that the pianist gradually falls "out of phase" with her own recording. (The work can also be performed by two pianists, or by two recordings.)

LISTEN: Reich, Piano Phase (1967) [first 4:00]

Not all late 20th-century American music is atonal, minimalist, or based on electronic sounds. The Oboe Concerto of John Harbison (b. 1938) is a more recent composition than any of the works reproduced above, yet it is considered to be relatively traditional in terms of melody, harmony, rhythm, and the use of standard acoustic instruments.


Nézd meg a videót: Görög hangszerek (Január 2022).